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Cortesanos, reyes, esclavos, pintores, intelectuales, presidentes, gobernadores, emperadores, carceleros y gente común, disfrutaron y disfrutan el amor y la sensualidad de una caricia en cualquier momento. No hay que esperar mucho para saber que alguien nos atrae de un modo que ninguna otra persona lo hace, y cuando nos damos cuenta que algo ocurre no lo controlamos, no podemos remediarlo con nada. Si está prohibido intentamos ocultarlo, pero los poros transpiran esa pasión que intentamos resguardar bajo miradas y pláticas casuales. De lo único que nos damos cuenta es que sentimos algo diferente por esa persona, algo que no cabe en una definición exacta: sensualidad, atracción, amor y pasión podrían conjugar los sentimientos múltiples que tenemos por nuestro nuevo amor.

Esa es tal vez una de las escenas más míticas y duraderas en nuestra cabeza. Una escena donde dos miradas se unen y conjugan un nuevo espíritu de pasión que nos hacen pensar que el amor existe. La sexualidad es clave, el acercamiento fundamental y poco a poco, nos damos cuenta de que no podemos escapar ante el hechizo de cupido. Es evidente a simple vista, porque como diría el cantante John Paul Young, "el amor está en el aire". Los demás, testigos del romance que los transforma, simplemente sonreímos cuando vemos que el otro es feliz, porque su felicidad también nos invade y nos hace plenos al menos por un instante. El pretexto del amor y la sensualidad se convierte en la mejor obra de inspiración para las artes; escritores, pintores, escultores y poetas hacen odas al amor, a esa pasión que no se oculta y que se demuestra con una simple mirada que transforma a las personas y las hace felices.

Te presentamos las pinturas que demuestran mejor que ninguna otra, el amor y la sensualidad.

Girando sobre la noche oculta, Egon Schiele

En las pinturas de este artista expresionista, los cuerpos desnudos de hombres y mujeres representan sensualidad desbordante. Los planos se segmentan y las líneas se fracturan para mostrarnos figuras desnudas llenas de erotismo. Con sus pinturas que parecieran espasmos, las contorsiones tienen escenas masturbatorias y signos de autoafirmación que pelea contra el pudor moralista de la época. El público se convierte en testigo de un erotismo herido y replegado sobre sí, y así capta los límites de la condición humana.

El sueño, Pablo Picasso

Con su estilo, Pablo Picasso representa una mujer que duerme recostada sobre un sillón con el rostro partido en dos y los senos descubiertos. El rostro sensual que se dibuja entre trazos cubistas es de la mujer que la vuelve loco: Marie-Thérèse Walter, su musa, su inspiración a quien le doblaba la edad. El contenido erótico de su pintura es notable a simple vista, incluso muchos lo acusaron de pintar un pene erecto en la cara de su musa, simbolizando el propio.

Entre los sueños y el folclor, Chagall desarrolló un estilo distintivo muy personal. Se acercó a muchos movimientos como el fauvismo, el cubismo, el expresionismo y el surrealismo, pero se mantuvo coherente y fiel a lo que buscaba hacer desde el principio. En sus pinturas siempre demostró el amor por su mujer, Bella, el encuentro por la vida parisina y la excelsa relación con su madre. Siempre buscó reflejar el amor en éxtasis como en esta obra, absortos y profundamente enamorados. Apostó al 100 por ciento por el amor, emoción triunfante ante los obstáculos de la vida. En una ocasión dijo “A pesar de todos los problemas de nuestro mundo, en mi corazón nunca abandoné el amor en que fui criado o la esperanza del hombre en el amor".

La novia judía, Rembrandt van Rijn

Un retrato que oculta a sus protagonistas en el misterio de no saber quiénes son, algunos aseguran que se trata de los personajes del viejo testamento: Isaac y Rebeca. Esa ambigüedad de la pintura es la misma que le da un carácter de amor universal, en el que la ternura desborda ante el artista. Ambos demuestran el amor tierno que en ese entonces se procuraba ante la vista de extraños. Se miran con sigilo y sin que nadie se dé cuenta, se observan con gran romanticismo.

Pigmalión y Galatea, Jean-Léon Gérôme

Con alto dominio del color y técnica pictórica, Jean-Léon Gérôme crea una pintura que recrea el mito griego en el que Pigmalión, rey de Chipre, busca a su mujer perfecta para contraer matrimonio pero como no encuentra a una, decide crear esculturas preciosas para compensar la ausencia de una mujer real. Sus creaciones son tan bellas que se enamora de una de sus estatuas y con la ayuda de Afrodita, sueña que su mujer cobra vida, "al verlo, Pigmalión se llena de un gran gozo mezclado con temor, creyendo que se engañaba. Volvió a tocar la estatua otra vez y se cercioró de que era un cuerpo flexible y que las venas daban sus pulsaciones al explorarlas con los dedos", cuando despertó, Afrodita se conmovió tanto que la hizo real.

El beso, Gustav Klimt

Un beso lleno de pasión que nos parece el momento cumbre del amor es lo que parece suceder en esta pintura, pero no es así. Estudios recientes aseguran que se trata de una interpretación del mito de Ovidio, Apolo, maldecido por Eros por burlarse de él. Disparó una flecha de oro a Apolo, quien se volvió loco de amor por Dafne, a quien Eros disparó una flecha que provocaba desprecio y desdén. Cuando él intentó acercarse a ella, Dafne pidió auxilio y su padre la convirtió en laurel. Según esta teoría, El Beso de Klimt representa el momento exacto en el que Apolo la toma fuertemente con sus manos, lleno de deseo y pasión, mientras ella está a punto de cambiar de forma.

Enamorados, Pierre Auguste Renoir

Esta escena es protagonizada por la actriz Henriette Henriot y el pintor Franc-Lamy, quienes, envueltos en una atmósfera natural, representan las tonalidades básicas del impresionismo. Ella sonríe sin querer con la fuerza de saber que alguien los pinta, mientras que él la mira detenidamente, capturado por su belleza, anclado a su cuerpo del que parece no poder alejarse por más esfuerzo que haga.

Los amantes, René Magritte

Un amor frustrado, tema común en la pintura de Magritte, es lo que observamos en esta obra. Una barrera con una tela blanca se forma ante los rostros de dos amantes que necesitan las caricias íntimas del otro, un beso que se transformaría en pasión, frustración y soledad. Algunos aseguran que Magritte en realidad intentó mostrar la naturaleza real de casi todas las relaciones íntimas.

Los felices azares del columpio, Jean-Honoré Fragonard

Llena de simbolismo, esta obra habla sobre una relación extramarital de la joven que se columpia mientras su marido empuja, abajo del lado izquierdo, un hombre, escondido entre los matorrales, no sólo espera a su amante, también observa bajo su falda cada que ella se mece en el columpio. El marido queda relegado a la sombra y ella, feliz, mira a su amante. Pertenece al siglo 18, con estilo Rococó.

El sueño, Gustave Courbet

Este cuadro fue un encargo del diplomático turco Khalil Bey, en el que Courbet representa una de las primeras escenas lésbicas de la historia. El pintor decide representar a las mujeres como en realidad son, sin una idealización de su cuerpo. Ellas duermen entrelazadas en un sueño profundo. La luz es el elemento central de esta obra, pues hace que los cuerpos resalten y acentúa el erotismo de la composición. Courbet fue uno de los pintores más polémicos por sus desnudos en el arte, como su pieza El origen del mundo, en la que una vagina ocupa todo el cuadro.

El mercado del arte, la reputación, aquellos mecenas que aún hoy hacen posible que alguien viva sólo de sus obras y por su puesto, la obra en sí. Estos son algunos de los elementos que juegan un papel primordial en la creación de un artista y su contundente establecimiento ante las normas existentes. Una muerte del arte que intenta derribar los conceptos establecidos para romper los paradigmas y generar nuevos discursos, nuevos experimentos y aproximaciones ante aquello que quisiéramos derribar para marcar un antes y un después de nosotros.

Probablemente entonces, de ese modo, entendamos cómo resaltaron algunos artistas en lugar de otros que aún hoy, en los libros de historia del arte, yacen en la siguiente página, listos para ser descubiertos pero sin el interés suficiente para que alguien se aproxime después de tantos años a su obra, y otros, los más relegados, ni siquiera permanecen en los anaqueles de la historia del arte: fueron olvidados, seguramente, sólo después de su muerte.

En la actualidad es lo mismo y peor aún, porque la vertiginosa vorágine de la globalización nos hace centrarnos sólo en algunos, en aquellos que consideramos relevantes. Ellos son capaces de ocupar la primera plana de los diarios más importantes, reúnen a millones de personas en una de sus famosas exposiciones por el globo y si lo desean, pueden vivir una vida como aquellos famosos rockstars que causaron fulgor. 

Estas leyendas vivas han hecho historia sin la necesidad de morir, así que, ahora que todavía pueden ir a dar pláticas o conferencias, aprovecha si tienes la oportunidad. Si no es así, al menos conócelos antes de que sea demasiado tarde para decir que compartiste el espacio y el tiempo de una de las figuras más importantes.

Este artista disidente recibió apenas el año pasado un pasaporte para regresar a China después de cuatro años. Su valentía es, tal vez, lo que lo haga ser uno de los artistas más populares de nuestros días, con trabajos que exploran temáticas desafiantes como la censura, la sociedad y los derechos humanos con total libertad. Con el paso de los años su trabajo se hace cada vez más crítico y utiliza las redes sociales para informar a su público cómo va su vida de resistencia política. 

Ha exhibido en numerosos museos con diferentes propuestas que intenta globalizar. Su trabajo incluye instalaciones, esculturas, música y arquitectura.

Se ha convertido en uno de los artistas vivos más importantes y costosos. Con 61 años, rompió su récord de ventas en una subasta de Christie en mayo del año pasado y en 2014 se realizó una retrospectiva de su trabajo en el Centre Pompidou. Koons tiene una extraordinaria capacidad para convertir lo mundano en trabajos aclamados de arte. Con obras que retoman a Michael Jackson con su famoso chimpancé Bubbles, ese famoso perro de globo o la bola metálica azul que se situaba en medio de copias de grandes obras de arte como la Mona Lisa, convierten a este artista en uno que ha logrado marcar un parteaguas en el arte, entre los kitsch y lo magnífico.

Quizá ninguna exposición de arte haya funcionado tan bien como la de Kusama en el Museo Tamayo, en la que, con esos puntos de colores tan característicos de su obra, ha logrado conquistar el plano pop contemporáneo. Con 87 años, Yayoi Kusama es esa artista rockstar de la actualidad después de seis décadas de legado en el arte japonés contemporáneo. Tal vez Kusama le deba su éxito a esas alucinaciones recurrentes que ha tenido desde muy joven y que intenta combatir con cientos de puntos ordenados en cuartos repletos de color. En los años 60 sus happenings sorprendieron a la ciudad de Nueva York, en 2015 le hicieron una retrospectiva en Estados Unidos, Rusia y también participó con su obsesión infinita en México hace dos años.

Un artista de opiniones divididas entre los que lo admiran por todo lo que ha logrado a su corta edad y los que creen que de algún modo, su fama lo ha premiado como a ningún otro pretencioso. Hirst es el artista vivo más rico del mundo. De joven parecía que la fama no lo seguiría, hasta que en 1988 organizó una exposición con compañeros de la escuela y entre los asistentes se encontraban Charles Saatchi, Norman Rosenthal y Nicholas Serota. Su obra "Mil años", con una caja transparente de gusanos y moscas revoloteando sobre una cabeza de vaca ensangrentada fue alabada por Saatchi y desde ese momento, se convirtió en su gran mecenas. 

En 2008, una subasta de Sotheby lo hizo ganar 111 millones de libras, el artista dividió la economía de un país pero no satisfecho, continúa exhibiendo sus piezas, como en su Newport Street Gallery, cuyo espacio fue diseñado por el arquitecto Caruso St. John. 

Mejor conocida como la mujer que separó a los Beatles, en realidad, esta mujer ha incursionado en poesía, música y performance, del mismo que sentó las bases para estudiarlo. Con 83 años, Yoko Ono ha curado el festival musical Meltdown en Londres y mantiene colaboraciones artísticas para promover la paz. Algunas de sus obras más conocidas son "Instrucciones", creada en 1961 y que permitía interactuar con sus instalaciones, e "Instrucciones para pinturas", en la que ofrecía ideas en lugar de pinturas. Fue una de las pocas mujeres artistas extranjeras que apoyó la escena artística de Nueva York cuando este lugar se convirtió en la meca del arte y además, logró que los límites del arte se rompieran al involucrar al público.

Gates es uno de los artistas que combina mejor sus grados en urbanismo y cerámica. De este modo, le da un balance a su éxito comercial y sus prácticas artísticas que ayudan al activismo comunitario y el crecimiento urbano. Sus esculturas, casi siempre de materiales reutilizados, logran crear espacios como ningún otro artista contemporáneo. Con su trabajo desarrolla el espacio, realiza objetos y genera performance. Ha exhibido en el Studio Museum en Harlem, Nueva York; Whitechapel Gallery en Londres; Punta della Dogana en Italia; el Museum of Contemporary Art en Chicago; el Museum of Art de Santa Bárbara y el Documenta 13 en Alemania. Ganó el Artes Mundi 6 y ha recibido premios de la Creative Time, el Vera List Center for Art and Politics, los Artistas de Estados Unidos, Creative Capital, la fundación Joyce, la fundación Graham, el Bemis Center for Contemporary Arts y Artadia.

En 1958, cuando Stella tenía sólo 25 años, lo incluyeron en la exposición Sixteen Americans realizada en el MoMA. Sus pinturas eran una oposición al panorama actual, lleno de expresionistas abstractos. Éstas se convirtieron en las precursoras del Minimalismo y más tarde, su obra se convirtió en el comienzo en algo nunca antes visto, con casi 10 mil obras frenéticas. La evolución de su arte se transformó de un negro que cubría toda la superficie, después destacándose con abundantes colores, más tarde en piezas tridimensionales conocidas como construcciones barrocas, hasta algunas diseñadas con material digital. 

Esta artista cubana del performance y la instalación desafía los sistemas políticos para pelear por la libertad de expresión. Como una fuerza latente que defiende los derechos de los inmigrantes, en 2011 colaboró con el Queens Museum para fundar el Movimiento Inmigrante Internacional. En 2015 el MoMA adquirió uno de sus performances y videoarte, lo que la convirtió en una de las figuras más relevantes del arte de nuestro tiempo. Ha desarrollado diferentes tipos de arte, como el "arte de conducta", que se relaciona con lo que los espectadores consideran debe ocurrir. Bruguera también propone un arte útil que transforme a la sociedad. Ha sido acusada de promover resistencia y desorden público y fue detenida en su país natal, Cuba, para evitar que realizara sus piezas artísticas. Ganó la Beca Guggenheim, el Meadows Prize y el Premio Príncipe Claus.

Para Katz, el expresionismo abstracto sólo fue aquello que acompañó a sus pinturas, mismas que destacaban close-ups estilizados y elegantes figuras en las que dominaban colores saturados. Padre del figurativismo contemporáneo, Katz, con 89 años, ha protagonizado grandes exhibiciones desde hace décadas. Su importancia recae en la experimentación de la forma y la estructura de la pintura y cómo es que el espectador las observa.

La artista con mil y un rostros ha marcado el dinamismo de la fotografía en el arte. Después de cinco décadas de carrera, personajes como estrellas de películas, payasos, víctimas, personajes ingenuos, depredadores y otros, ocupan un sitio en sus autorrepresentaciones para hablar sobre el papel de la mujer en el mundo del arte y su identidad en el mundo contemporáneo.

El corazón de la Huasteca Potosina, en especial el pueblo de Xilitla, es sinónimo de surrealismo, pues por sus calles pasaron algunos de los iconos de este movimiento artístico: Edward James y Leonora Carrington. Dentro del bosque que rodea este sitio se erigen las místicas estructuras de Edward James, y por fin se inauguró el Museo Leonora Carrington en Xilitla.

Este museo, y el que se ubica en la ciudad de San Luis Potosí, son los únicos en el mundo dedicados a la vida de la artista. En cuanto al contenido, en este espacio se pueden apreciar 63 esculturas, algunas de ellas a gran escala. Asimismo, el museo cuenta con una sección donde se muestran 25 máscaras pequeñas de bronce. Por último, las esculturas se acompañan de obras como dos tapices de lana, fotografías, grabados, dibujos y herramientas de trabajo. Este recinto existe gracias a Pablo Weisz, artista plástico e hijo de la artista, pues fue él quien prestó las piezas al museo.

Desde el exterior, lo primero que llama a la vista es la enorme firma de la escultora: una instalación de metal sobre los muros de concreto del museo. Pero visualmente, hay mucho más que ver. Arriba de los dos pisos del edificio se encuentra una cafetería-terraza con una vista sin igual de la Huasteca. Aquí se ofrecen snacks para disfrutar mientras se respira el aire fresco de la naturaleza.

La construcción de este espacio supone el fortalecimiento del pueblo mágico de Xilitla como lugar surrealista. El Museo Leonora Carrington se ubica en el centro, a pocos minutos de Las Pozas (jardín surrealista de Edward James) y de la Plaza de Armas del pueblo. Las instalaciones abrieron sus puertas al público el pasado 19 de octubre.

La artista surrealista Leonora Carrington nació en Lancaster, Reino Unido, en 1917. Desde pequeña se inclinó por las artes y la creatividad, lo que la llevó a estudiar arte en Londres. Tras conocer a Max Ernst, icono del dadaísmo y surrealismo en Europa, Leonora incursionó en esta corriente artística. Más tarde, ante la Segunda Guerra Mundial y recurrentes exilios en Francia, España y Portugal, emigró a México, donde vivió y siguió creando esculturas hasta su muerte en 2011.