Los artistas vierten sus sueños más salvajes y las emociones más profundas en su trabajo. A menudo, lo mismo podría decirse de sus guardarropas: evidencia sartorial no solo de su estética, sino también de sus espíritus internos. "La belleza y la fealdad son un espejismo", dijo una vez Frida Kahlo. "Todos terminan viendo cómo estamos dentro". A continuación, consideramos a ocho artistas cuyos estilos personales únicos revelan algo esencial sobre sus personajes, que en algunos casos se vuelven inextricables de sus personajes artísticos y que continúan sirviendo de inspiración para el mundo de la moda. Desde Georgia O'Keeffe y Jean-Michel Basquiat hasta Louise Bourgeois y Robert Mapplethorpe, estos artistas se han duplicado como musas de alta costura e iconos de estilo.
Frida Kahlo
El estilo extravagante y colorido de Kahlo reflejaba su yo interior: fuerte, complejo y totalmente único. Los accesorios y atavíos del pintor -coronas de flores, elaboradas joyas de plata, vestidos saturados con los tonos profundos de su México natal- toman protagonismo en sus ardientes autorretratos y permanecen instantáneamente reconocibles muchos años después de su muerte, en 1954. Los primeros traumas físicos de un episodio de polio y un accidente en el tranvía dejaron las piernas desiguales de Kahlo, una condición que ella ocultó debajo de los vestidos mexicanos tradicionalmente modelados. Los vestidos también tenían un significado conceptual para Kahlo; se originaron en la región de Tehuantepec, que era conocida por su sociedad matriarcal, dirigida por mujeres fuertes. Ella también acentuó sus características físicas más identificables. Ella oscureció sus cejas ya gruesas, que su esposo Diego Rivera una vez describió como "alas de colibrí", con un lápiz negro, y adornó su cabello con cintas de colores y flores arrancadas de su jardín. Estos detalles se han vuelto inseparables de su trabajo revolucionario y su personalidad ardiente y de espíritu libre. En conjunto, estas cualidades han inspirado a los diseñadores de moda desde Riccardo Tisci a Dolce & Gabbana a Jean Paul Gaultier, cuya colección Primavera-Verano 1998 fue un homenaje inconfundible al pintor.
Jean Michel Basquiat
En la película de culto de los años ochenta Downtown 81, Basquiat recorre las calles de la ciudad de Nueva York con sus rastas exclusivas atadas en un nudo, un abrigo de gran tamaño sobre los hombros y una camisa roja con cuello que asoma por debajo de la barbilla. De vez en cuando, saca una lata de pintura en aerosol de uno de sus bolsillos y decora una pared con poesía callejera. El pintor neo expresionista wunderkind es famoso por incorporar una amplia gama de referencias históricas y culturales de arte en sus pinturas, desde gestos abstractos tomados de Cy Twombly hasta el lenguaje del graffiti y el hip-hop que recogió en su Brooklyn natal. Su guardarropa era igualmente ecléctico e inspirado. El diseñador de vestuario John Dunn, que diseñó el vestuario para la biografía biográfica de 1996 Basquiat, una vez describió el estilo del artista como "retro se encuentra con el hip-hop, cumple con los preppy, cumple con la inspiración divina". Ya sea en su estudio o saliendo de uno de sus lugares favoritos, como Mudd Club, Basquiat combinó camisetas desgastadas de Adidas con trajes europeos de $ 800, jeans salpicados de pintura con chaquetas a medida, polos con pantalones de chándal. Su mirada llamó la atención del diseñador Rei Kawakubo, quien lo hizo caminar para Comme des Garçons en 1987, y desde entonces ha inspirado los estilos personales de innumerables diseñadores, estilistas y niños del club.
Robert Mapplethorpe
En una instantánea de Mapplethorpe, integrada en las páginas del libro de fotos de Judy Linn, Patti Smith 1969-1976, sobre el círculo que rodea a Smith, ha visto encender un cigarrillo mientras usa solo ropa interior de cuero, un collar de cadena y un brazalete de bondage. una pulsera. El joven fotógrafo era conocido en todas las galerías, abrevaderos y clubes gay que frecuentaba, desde Max's Kansas City hasta Mineshaft, por sus crudos y estilizados retratos de flores, bondage y las cosas jóvenes más brillantes del centro de Nueva York. Su estilo personal, que capturó en numerosos autorretratos, también se destacó. En su juventud, a menudo posa sin camisa, con gruesos anillos de plata y largos collares adornados con cuentas y conchas, su cabello rizado suelto y salvaje. En fotos posteriores, su pelo está peinado hacia atrás y su cuerpo musculoso a menudo enfundado en cuero, una mirada que coincide igualmente con el estilo de engrase de los años 50 y los adornos de S & M. Vogue ha notado sincronicidades entre la estética y la ropa de Mapplethorpe creada por Hedi Slimane, Alexander Wang y Hood by Air, mientras que Raf Simons citó explícitamente el aspecto del fotógrafo en su colección Spring 2017 (el desfile correspondiente utilizó modelos que se parecían sospechosamente a Mapplethorpe, también).
Andy Warhol
En 2012, cuando Vogue revisó sus archivos en busca de menciones de Warhol en las páginas de la revista, no tuvieron que buscar mucho. Su búsqueda arrojó casi 1,000 resultados, muchos de los cuales posicionaron a Warhol como un creador de tendencias, tanto en el arte como en la moda. Si hubieras estado caminando por el centro de Nueva York a principios de la década de 1960, es posible que hayas visto al dios del Pop Art con su mata de pelo rubio platino y sus Ray-Ban Wayfarers. Con el tiempo, agregó gafas de montura transparente, camisetas de rayas anchas y chaquetas de safari a su repertorio, todos los accesorios que GQ atribuyó a Warhol por su popularización. Vestía estos atuendos para las ruidosas fiestas que organizaba en su estudio The Factory, que se convirtió en el terreno de batalla de los creativos más experimentales y fabulosos de la época, desde Twiggy y Basquiat hasta Madonna y Grace Jones.
Yoko Ono
Yoko Ono Eche un vistazo al artista de performance y músico Ono en las calles de Nueva York hoy, y es probable que esté vestida con un conjunto negro hecho a medida, adornada con un sombrero derby a juego y un par de lentes de sol, un accesorio que habitualmente luce incluso cuando está nublado, o ella se encuentra en el interior. Si bien esta combinación de accesorios oscuros que oscurecen la cara puede hacer que la mayoría de los usuarios se vistan de incógnito, se ha convertido en el uniforme característico de Ono, reconocible al instante por los fanáticos del artista, que abarcan el mundo del arte, la música y la moda. (Los diseñadores threeASFOUR se basaron directamente en el arte y el estilo de Ono para su colección Primavera / Verano 2010). El estilo de Ono ha sido tema de la conversación cultural pop desde la década de 1960, cuando se hizo conocida por sus físicamente exigentes Fluxusperformances (como su seminal Cut Piece de 1964, en la que invitó a desconocidos a cortarse el pelo y la ropa) y su relación con Ídolo de los Beatles, John Lennon. Entonces, como ahora, vestía principalmente blanco y negro, los colores que usa con mayor frecuencia en sus dibujos, libros e instalaciones escultóricas. Gran parte del trabajo de Ono se ha inspirado en las protestas contra la guerra y en el ideal de la paz, comunicadas a través del color blanco. Famosamente, ella y Lennon usaron pijamas blancos en sus actuaciones de 1969, que concibieron como demostraciones contra la Guerra de Vietnam.
Georgia O´keefe
Cuando O'Keeffe tenía 96 años, ordenó su último traje: un conjunto impecablemente diseñado de color negro con una chaqueta, pantalones y chaleco a juego, del famoso sastre masculino Emsley. A lo largo de su vida, O'Keeffe cultivó un estilo personal que era tan elegante y atrevido como sus pinturas icónicas que representan primeros planos de flores erectas y paisajes saturados y sulfurosos del desierto. Al igual que su obra de arte, su vestuario desafió las normas estilísticas de la época. Ella arrojó a un lado los vestidos que aumentaban la forma, decorados con detalles femeninos (estampados de colores, encajes intrincados), a favor de las túnicas sueltas, sin adornos y las prendas de caballero elaboradas con una paleta sobria. Durante sus primeros años en Texas y Nueva York, O'Keeffe se vistió con vestidos, camisas y faldas negras y blancas mínimas, de vez en cuando arrojando la capa de su esposo Alfred Stieglitz sobre sus hombros. Después de mudarse a Nuevo México, su vestuario se volvió aún más andrógino, consistiendo principalmente en vestidos de abrigo simples (algunos de los cuales ella misma diseñó), jeans azules, trajes, kimonos y su sombrero vaquero de vaquero. El estilo minimalista y no conforme de O'Keeffe influiría en los diseñadores de moda en los años venideros. En 1984, Calvin Klein elaboró una colección completa en torno a su estética, luego Bruce Weber realizó la campaña correspondiente en su casa de Nuevo México, Ghost Ranch, en Abiquiú. Más recientemente, revistas como Vogue y diseñadores como Valentino han sacado de su llamativo vestuario y su persona pública cuidadosamente curada, que fue el tema de una exposición reciente, "Living Modern", en el Museo de Brooklyn.
Pablo Picasso
La leyenda dice que Picasso, el gran progenitor del cubismo, pintó nada más que sus boxeadores. Una fotografía de 1957 de David Douglas Duncaneven captura al artista posando majestuosamente en tighty whities. Pero, cuando se trata de opciones de vestimenta, el apuesto y calvo pintor es mejor conocido por su armario lleno de camisas a rayas. Las batas marinas y blancas, que vistió tanto dentro como fuera de las paredes de su estudio, se originaron a mediados del siglo XIX en Bretaña, Francia, donde formaban parte del uniforme oficial de la Armada francesa. Se cree que las rayas que adornaban cada camiseta representaban el número de victorias de Napoleón. También hicieron que fuera fácil ver a los marineros franceses desde lejos. La imagen de Picasso fue modelada por el significante casual y masculino de esta ropa de trabajo, cuyo atractivo no se ha perdido en el mundo de la moda. Las revistas y blogs de estilo, desde Vogue hasta The Sartorialist, citan rutinariamente el uniforme sin lujos del artista como inspiración, mientras que el moodboard para la colección masculina de Fendi's Spring 2017 se centraba en fotos del atuendo de la firma del artista.
Louise Bourgeois
Las esculturas, dibujos y performances innovadores de Bourgeois a menudo están informados por la sexualidad y la belleza del cuerpo femenino. Su estilo, como su trabajo, celebró la feminidad y sirvió como una herramienta que utilizó para "[llamar] atención en el mundo del arte dominado por los hombres de los años setenta", explica la Dra. Alice Blackhurst, una estudiosa de estudios visuales. En el transcurso de su larga vida, Bourgeois construyó un guardarropa orientado alrededor de accesorios prominentes: gorras y boinas de pescador, gafas de sol futuristas y gruesos abrigos de piel que amplificaban su pequeño cuerpo. Su trabajo demostró la creencia del artista en el poder de la ropa para conmocionar, cambiar perspectivas y seducir. En la década de 1970, forjó sus primeras esculturas vestibles: adornos de látex acentuados con bultos que se asemejaban a un mar de pechos, que desfilaba en las calles de la ciudad. Para su actuación de 1978 "Un desfile de modas de partes del cuerpo", vistió tanto a artistas masculinos como a femeninos en vainas con grumos similares. La pieza continuaría informando colecciones de los diseñadores de moda Rei Kawakubo y Hussein Chalayan. Más recientemente, el joven diseñador Simone Rocha ha citado la inspiración estética de Bourgeois.
